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Dance School

Die Hip-Hop-Kultur wurde am 11. August 1973 in der South Bronx, New York, geboren. DJ Kool Herc (bürgerlicher Name Clive Campbell, jamaikanisch-amerikanisch) veranstaltete an diesem Tag eine Back-to-School-Party in seiner Wohnung an der 1520 Sedgwick Avenue. Hier entwickelte er den „Breakbeat“ — er verlängerte die Percussion-Pausen von Schallplatten durch zwei identische Kopien und erschuf so den Raum, in dem B-Boys und B-Girls tanzen konnten.

Die vier Elemente der Hip-Hop-Kultur:
1. DJing / Turntablism — Grandmaster Flash (Joseph Saddler) revolutionierte die Technik mit Scratching, Punch-Phasing und Clock Theory.
2. MCing / Rapping — das rhythmische Sprechen über Beats, aus dem sich Rap entwickelte.
3. B-Boying / B-Girling (Breakdance) — der ursprüngliche Tanz der Szene, direkt in den Breakbeats von Kool Herc entstanden.
4. Graffiti Writing — visuelle Kunst im öffentlichen Raum als viertes Element.

Afrika Bambaataa (Kevin Donovan) gründete 1973 die Universal Zulu Nation und prägte den Begriff „Hip-Hop“ als kulturelle Bewegung — mit dem Ziel, Bandenrivalitäten in kreative Auseinandersetzungen umzuwandeln.

Tanztechnische Substile — wichtige Unterscheidungen:
Locking: Erfunden von Don Campbell, Los Angeles, ca. 1969–71. Er vergaß die Schritte eines Tanzes und „lockte“ (fror ein) — das wurde sein Markenzeichen. Locking und Popping entstanden unabhängig vom Bronx-Hip-Hop als westküstenamerikanische Funk Styles.
Popping: Erfunden von Sam Solomon (Boogaloo Sam), Fresno, Kalifornien, 1970er. Muskuläre Kontraktionen zum Beat — „Pops“ und „Hits“. Er gründete die Electric Boogaloos (1977).
New Style Hip-Hop: aufrechter, choreografierter Hip-Hop für Musikvideos, ab den 1980ern.
Krump: entstanden in South Los Angeles, 2000er, durch Tommy Johnson (Tommy the Clown) und Tight Eyez. Intensiv, expressiv, spirituell.

Wichtige Unterscheidung: In der Hip-Hop-Community gibt es eine klare Trennlinie zwischen Freestyle-Hip-Hop (Cypher, Battle, authentischer Selbstausdruck) und choreografiertem Hip-Hop für kommerzielle Kontexte. Nur weil etwas nach Hip-Hop klingt, bedeutet das nicht, dass die Bewegungsästhetik damit übereinstimmt.

Der Begriff „Commercial“ beschreibt den Kontext, nicht den Stil. Ein Commercial Dancer arbeitet professionell in der Unterhaltungsindustrie: Musikvideos, Live-Touren, Werbung, Film, Fernsehproduktionen. Der Gegenbegriff ist Concert Dance — Ballett oder Contemporary in einem Theatersetting.

Ein Commercial Dancer muss stilistisch flexibel sein: beim nächsten Casting wird Hip-Hop verlangt, beim übernächsten Heels, dann Jazz Funk. Die Kernkompetenz ist Anpassungsfähigkeit. Dazu kommt Kamera-Bewusstsein: Bewegung für den Bildschirm ist anders als Bewegung für den Zuschauerraum.

Historische Meilensteine:
Michael Jacksons „Thriller“ (1983, Choreografie: Michael Peters und Michael Jackson) definierte den Standard für ambitionierte Musikvideo-Choreografie. Janet Jacksons „Rhythm Nation“ (1989) und „Control“-Periode setzten Maßstäbe für präzise, konzeptuelle Commercial-Choreografie.

Wichtige Choreografen im Commercial-Bereich:
Napoleon und Tabitha D’umo (NappyTabs) — bekannt durch „So You Think You Can Dance“.
Laurieann Gibson — Choreografin für Lady Gaga und Katy Perry.
Brian Friedman — arbeitete u.a. für Britney Spears und Simon Cowells Fernsehformate.
Parris Goebel (Neuseeland) — Choreografin für Justin Bieber, Jennifer Lopez und Janet Jackson (ReDiscover-Tour 2023).

Die Grundlage: Jazz Dance (ab 1920er)
Jazz Dance entstand aus der Fusion afroamerikanischer Volkstänze (Cakewalk, Charleston) mit europäischen Gesellschaftstänzen und entwickelte sich in Clubs, am Broadway und später in Hollywood. Zentrale Figuren: Jack Cole (1911–1974), „Vater des Theatrical Jazz Dance“, verband indische Mudra-Gesten, Flamenco und Jazz-Rhythmus. Bob Fosse (1927–1987) prägte seinen unverwechselbaren Stil: gebogene Knie, nach innen gedrehte Füße, isolierte Hüftbewegungen, Hüte und Handschuhe („Chicago“, „Cabaret“).

Jazz Funk (1970er–90er)
Jazz Funk entstand, als Jazz-Technik auf Funk-Musik traf: James Brown, Prince, Earth, Wind & Fire. Die Bewegungen werden großzügiger, nach außen gerichtet, mit starkem Arm- und Körpereinsatz. Aufrechte Haltung, lange Linie, musikalischer Ausdruck. Musikvideo-Ästhetik der 1980er–90er formte den Stil: Michael Jacksons „Thriller“ (1983, Choreografie: Michael Peters), Janet Jacksons „Rhythm Nation“ (1989) und Videoclips von Prince und Tina Turner sind Referenzpunkte.

Street Jazz — ein jüngerer Begriff (hauptsächlich europäisch)
Street Jazz bezeichnet eine Fusion aus Jazz-Technik und Street-/Hip-Hop-Energie. Er ist weniger Broadway-orientiert als klassischer Jazz Funk, hat stärkeren Improvisationseinfluss und bleibt näher an der Erdung der Straßentanzkultur. Der Begriff ist nicht historisch gewachsen wie Jazz oder Hip-Hop — er beschreibt eine pädagogische Kategorie, die hauptsächlich in europäischen Tanzschulen verwendet wird.

Die wichtigen Unterschiede im Überblick:
Jazz Funk vs. Hip-Hop: Jazz Funk bleibt aufrechter, mit klar definierter Jazz-Technik und nach außen gerichteter Energie. Hip-Hop ist erdiger, der Schwerpunkt liegt tiefer, die Bewegung ist nach innen gerichtet, mit starker Freestyle-Tradition.
Jazz Funk vs. Street Jazz: Jazz Funk bleibt näher am Jazz-Technik-Fundament und dem 80er/90er-Musikvideo-Sound; Street Jazz ist freier, hat stärkeren Hip-Hop-Flavor und weniger Broadway-Einfluss.

Reggaetón entstand in Puerto Rico als Fusion aus jamaikanischem Dancehall, karibischen Rhythmen und Hip-Hop-Kultur. Der charakteristische Dembow-Rhythmus — ein Offbeat-Rhythmusmuster — ist nach dem Song „Dem Bow“ von Shabba Ranks (Jamaika, 1990) benannt, dessen Beat zum Markenzeichen des Genres wurde.

Pioniere der ersten Stunde (Puerto Rico):
DJ Playero — produzierte in den frühen 1990ern Kassetten-Mixtapes, die als Grundstein des Genres gelten.
Vico C (Luis Armando Lozada Cruz) — einer der ersten Rapper des Genres, galt als „Filósofo del Rap“ seiner Zeit.
Ivy Queen (Martha Ivelisse Pesante) — „La Reina del Reggaetón“, eine der wichtigsten weiblichen Stimmen des Genres.
Daddy Yankee (Ramón Luis Ayala Rodríguez) — „Gasolina“ (2004) war der internationale Durchbruch des Genres weltweit.

Tanzelemente:
Perreo: Nahkörper-Tanz, rhythmisch, vom jamaikanischen Dancehall-„Wining“ beeinflusst. Körperbetont und selbstbewusst.
Champeta: verwandt, aber eigenständigen kolumbianischen Ursprungs — an der Karibikküste Kolumbiens entstanden, mit afrikanischen Wurzeln.
Reggaetón feiert Körperlichkeit ohne Entschuldigung — in einem gesellschaftlichen Kontext, der das lange stigmatisiert hat.

Die Wurzeln des Heels Dance liegen in der Ballroom-Kultur New Yorks (1970er–80er) — einer LGBTQ+-Community, hauptsächlich Black und Latino. In Ballroom-Kategorien wie „High Fashion“ und „Runway“ sowie in der Voguing-Praxis wurden High Heels zum Ausdruck von Identität, Eleganz und Gegenmacht zur gesellschaftlichen Ausgrenzung. (Mehr zur Ballroom-Kultur: eigene Karte unten.)

Als eigenständiger kommerzieller Stil entwickelte sich Heels Dance in den 1990ern–2000ern als Fusion aus Ballroom, Jazz und Commercial Dance. Schlüsselfiguren:
Yanis Marshall (Frankreich) — machte Heels Dance mit YouTube-Videos viral; über 100 Millionen Aufrufe. Seine Präzision in Spike Heels ist technisch außergewöhnlich und hat das Bild des Stils weltweit geprägt.
Brian Friedman — Choreograf für Britney Spears und Simon Cowells TV-Formate, popularisierte den Stil in Massenmedien.
Sean Bankhead — Choreograf für Beyoncé, Megan Thee Stallion und Lizzo; führte Heels-Ästhetik in zeitgenössische Pop-Performances.
Frank Gatson Jr. — langjähriger Choreograf von Beyoncé; Choreografie für „Single Ladies (Put a Ring on It)“ (2008), das Heels-Choreografie für Millionen Menschen neu definierte.

Heels Dance ist nicht an ein Geschlecht gebunden. Yanis Marshall und viele andere männliche Tänzer haben das Bild des Stils entscheidend verändert. Technisch geht es um: Gewichtsverlagerung auf den Zehenballen, Bodenkontakt, Linienarbeit, Körperpräsenz — das Tragen von Heels ist Mittel, nicht Zweck.

Was ist Ballroom? Wettbewerbsveranstaltungen („Balls“), bei denen soziale Gruppen („Houses“) in Kategorien („Categories“) gegeneinander antreten. Eine Vorgängerform gab es seit den 1920ern in Harlem („Drag Balls“), jedoch wurden Black und Latino LGBTQ+-Teilnehmer dort zunehmend diskriminiert.

Crystal LaBeija — ihr Protest ist der Ausgangspunkt: Im Dokumentarfilm „The Queen“ (1968) sieht man, wie sie öffentlich gegen diskriminierende Behandlung bei einem Ball auftritt. Um 1972 gründete sie das House of LaBeija — das erste moderne „House“. Diese Häuser sind nicht nur Teams, sondern soziale Familien: Schutzraum und Heimat für Black und Latino LGBTQ+-Jugendliche, die von ihren biologischen Familien abgelehnt wurden.

Bekannte Houses (Auszug): House of LaBeija, House of Xtravaganza, House of Ninja, House of Pendavis, House of Balenciaga, House of Mugler — die Namen spiegeln oft Mode-Häuser wider, als Aneignung von Luxus und Status.

Voguing — benannt nach der Modezeitschrift Vogue. Tänzer posieren wie Models auf dem Laufsteg und kombinieren das mit athletischen Bewegungen. Paris Dupree gilt als Begründerin des modernen Voguings an Balls — sie posierte nach Vogue-Cover-Fotos in Wettbewerben.

Die drei Stile des Voguings:
1. Old Way (1960er–80er): statische, geometrische Posen — angular, präzise, wie eingefroren.
2. New Way (ab Ende 1980er): fließender, mit „Clicks“ (knackende Arm- und Beinwinkelungen), extreme Gelenkigkeit, Duckwalks.
3. Vogue Femme (zeitgenössisch): fünf Elemente — Catwalk, Duckwalk, Hands, Spins & Dips, Floor Performance.

Willi Ninja (William Roscoe Leake, 1961–2006): „The Godfather of Voguing“, House of Ninja. Er lehrte Voguing am Whitney Museum of American Art, arbeitete mit Grace Jones und Malcolm McLaren und trug entscheidend zur künstlerischen Anerkennung des Stils bei.

„Paris Is Burning“ (1990): Dokumentarfilm von Jennie Livingston — das wichtigste Zeitzeugnis der Ballroom-Szene der 1980er. Madonnas „Vogue“ (1990) brachte die Ästhetik in den globalen Mainstream — die Frage, ob dies kulturelle Aneignung war und ob die Community dafür gewürdigt und kompensiert wurde, wird bis heute diskutiert. Die FX-Serie „Pose“ (2018–2021) dramatisiert die Szene mit dem bis dahin größten Cast an trans Schauspielerinnen.

Jazz Dance entstand aus der Fusion afroamerikanischer Volkstänze (Cakewalk, Ring Shout, Charleston, Lindy Hop) mit europäischen Gesellschaftstänzen im frühen 20. Jahrhundert. Die Jazzmusik der 1920er–40er — Swing, Bebop, Blues — war der Motor dieser Entwicklung, die sich in Harlem-Clubs, auf dem Broadway und später in Hollywood entfaltete.

Zentrale Figuren:
Jack Cole (1911–1974): „Vater des Theatrical Jazz Dance“. Er verband klassische indische Mudra-Handgesten, Flamenco-Energie und amerikanischen Jazz-Rhythmus zu einer einzigartigen Technik. Choreografierte für Broadway und Hollywood (u.a. für Marilyn Monroe).
Bob Fosse (1927–1987): Sein „Fosse Style“ ist unverwechselbar — gebogene Knie, nach innen gedrehte Füße, abgesenkte Schultern, isolierte Hüft- und Schulter-Bewegungen, Hüte und Handschuhe als Requisiten. Werke: „Chicago“, „Cabaret“, „All That Jazz“.
Luigi (Eugene Facciuto, 1925–2015): Entwickelte die „Luigi Technique“ — lyrisch, fließend, mit Betonung des kontinuierlichen Flusses. Arbeitete in Hollywood und lehrte weltweit.
Gus Giordano (1923–2008): Chicago-basierter Choreograf und Pädagoge; sein Giordano Jazz Dance Chicago ist bis heute einflussreich.
Lester Horton (1906–1953): Technisch breit aufgestellt; lehrte Alvin Ailey, dessen American Dance Theater bis heute auf Horton-Technik aufbaut.

Lyrical Jazz: eine jüngere Fusion aus Jazz- und zeitgenössischem Tanz, die Texte und Emotionen der Musik interpretiert. Sehr verbreitet im Wettkampftanz (Dance Competition-Szene). Historisch keine eigenständig gewachsene Tradition — eher eine pädagogische Kategorie.

Jazz Dance ist die Grundlage für: Musical Theater, Jazz Funk, Street Jazz, Commercial Dance, Lyrical und alle nachfolgenden populären Stile.

Wichtige Unterscheidung: Modern Dance bezeichnet die Tanzrevolution des frühen 20. Jahrhunderts; Contemporary Dance ist die Weiterentwicklung ab den 1950er–60ern. Die Begriffe werden oft fälschlicherweise synonym verwendet.

Die Pioniere des Modern Dance (Grundlage):
Isadora Duncan (1877–1927): Lehnte die Strenge des Balletts ab, tanzte barfuß und improvisiert, inspiriert von antiker griechischer Kunst und der Natur. Gilt als „Mutter des Modernen Tanzes“.
Rudolf von Laban (1879–1958): Entwickelte die Labanotation (Bewegungsschrift) und die Laban Movement Analysis — bis heute genutzte Systeme zur Dokumentation und Analyse von Bewegung.
Mary Wigman (1886–1973): Deutsche Pionierin des Ausdruckstanzes, Schülerin von Laban. Expressiv, emotional, ohne Spitzenschuhe.
Martha Graham (1894–1991): Zentrale Figur des amerikanischen Modern Dance. Entwickelte „Contraction and Release“ als fundamentales Bewegungsprinzip — ein System, das den Körper als emotionales Ausdrucksinstrument begreift. Ihr Werk ist Grundlage für viele heutige Techniken.

Contemporary Dance (ab 1950er–60er):
Merce Cunningham (1919–2009): Trennte Bewegung komplett von Musik und Narration — reine Abstraktion. Kollaborierte mit Komponist John Cage und Künstler Robert Rauschenberg. Revolutionierte das Denken über Tanz als autonome Kunstform.
Pina Bausch (1940–2009): Deutsche Choreografin, Wuppertaler Bühnen / Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Verband Tanz mit Sprache, Wiederholung und psychologischer Tiefe — Tanztheater als eigene Gattung. Wichtige Werke: „Kontakthof“ (1978), „Café Müller“ (1978), „Nelken“ (1982), „Vollmond“ (2006).
William Forsythe (geb. 1949): Amerikanisch-europäischer Choreograf; dekonstruierte das klassische Ballett und entwickelte eine eigene Bewegungstheorie.

Zeitgenössische Welt-Choreografen: Crystal Pite (Kanada), Hofesh Shechter (Israel/UK), Akram Khan (UK/Bangladesch).

Ballett entstand als höfisches Fest-Spektakel (balli) an den Renaissancehöfen Italiens im 15.–16. Jahrhundert. Katharina von Medici (Florentinerin) heiratete den französischen König Heinrich II. und brachte diese Tanzkultur an den Pariser Hof. Ludwig XIV. („Roi Soleil“) war selbst leidenschaftlicher Tänzer und gründete 1661 die Académie Royale de Danse in Paris — die älteste Tanzakademie der Welt.

Pierre Beauchamp, Tanzmeister unter Ludwig XIV., kodifizierte die fünf Grundpositionen der Füße — bis heute Fundament der Ballett-Technik. Die gesamte Fachterminologie ist französisch: plié, relevé, arabesque, pas de deux, jeté, pirouette, entrechat, battement.

Romantisches Ballett (1830er–40er): ätherische, übernatürliche Themen; „La Sylphide“ (1832, Paris Opéra, Choreografie: Filippo Taglioni für Marie Taglioni) führte die Pointe-Arbeit (Spitzenschuhe) in der heutigen Form ein. „Giselle“ (1841, Choreografie: Jean Coralli und Jules Perrot) ist das zweite große Werk dieser Epoche.

Klassisches Ballett (ab 1870er): Marius Petipa (1818–1910), französisch-russischer Choreograf am Kaiserlichen Mariinski-Theater St. Petersburg, schuf in Zusammenarbeit mit Tschaikowsky die drei großen Ballette: „Dornröschen“ (1890), „Der Nussknacker“ (1892) und die Neueinstudierung von „Schwanensee“ (1895). Diese Werke definieren das klassische Repertoire bis heute.

20. Jahrhundert: Sergei Diaghilev und die Ballets Russes (Paris, 1909–1929) revolutionierten das Ballett durch Zusammenarbeit mit Igor Strawinsky („L’Oiseau de feu“ 1910, „Le Sacre du Printemps“ 1913, Choreografie: Waslaw Nijinski), Picasso und anderen. George Balanchine (1904–1983) gründete das New York City Ballet und prägte den neo-klassischen Stil: schnell, musikalisch abstrakt, ohne narrative Handlung.

Der Begriff kommt aus dem Griechischen: choreia (Reigentanz) + graphia (schreiben) — wörtlich: Tänze aufschreiben. Rudolf von Laban (1879–1958) entwickelte die Labanotation — ein präzises Notationssystem für Bewegung, das bis heute zur Dokumentation von Choreografien genutzt wird.

Choreografie als Kompositionsprinzip umfasst: Raumnutzung („die Bühne als Leinwand“), Timing, Dynamik, Formation, Körpersprache und das Verhältnis zur Musik. Choreografie und Improvisation stehen sich gegenüber: Choreografie ist vorgeplant und einstudiert; Improvisation reagiert im Moment. Viele zeitgenössische Werke verbinden beides.

Stilprägende Choreografen — Auswahl:
Ballett: Marius Petipa, George Balanchine, William Forsythe
Tanztheater / Contemporary: Pina Bausch, Merce Cunningham, Crystal Pite
Musical Theater: Bob Fosse, Jerome Robbins („West Side Story“, 1957), Jack Cole
Commercial / Hip-Hop: Laurieann Gibson, Parris Goebel, Kyle Hanagami, NappyTabs
Jazz: Bob Fosse, Gus Giordano, Luigi